Statement

El proyecto se llama Portable Power Adapter, y el concepto es el utilizar los espacios de la galería y el objeto como un todo, para dar una sensación de complemento del espacio, que haya una relación entre el objeto y las paredes de la galería.
El objeto central que es un cohete se creo con una columna para cimentar de cartón, para darle los relieves, utilicé cartón corrugado, las alas son todas de cartón corrugado y están pegadas a la parte inferior con clavos y luego con periódico y engrudo le di otra pasada para que estuvieran mas fuertes, la punta fue hecha con círculos de cartón corrugado y periódico para dar volumen entre los espacios, la mera punta es una bola de unicel cortada a la mitad, y para darle forma y resistencia apliqué, periódico encima con engrudo, ya que estuvo todo seco, lo pinte de blanco, para crear una espacie de lienzo, con volumen.
Los dibujos del cohete están relacionados con las maquinas, andenes de metro, puentes, carros etc., todo entremezclado también con elementos de naturaleza y edificios y casas, todo fue pintado con plumones permanentes y de color negro para dar el efecto de negativo positivo.
La otra parte que es donde entran en juego las paredes de la galería, fue con lienzos de diferentes tamaños ponerles encima cinta de aislar de diferentes colores y crear patrones, también pegue unas fotografías de una revista que era una de maquinaria y la otra de naturaleza, las escogí de un color opaco para crear otra textura en contra con el colorido de los lienzos.
Los materiales fueron escogidos por que son materiales simples de construcción, y es interesante el crear un objeto con materiales básicos, y no necesariamente con elementos mas profesionales como fundir o plastico etc., pienso que es una buena opción el utilizar materiales simples cuando uno esta empezando y todavía no se tienen los medios para materiales mas profesionales.
La participación del espectador en cuanto a la instalación, es mas contemplativa que dinámica, el punto es que observen todo como un ente, las paredes y el objeto tridimensional que se presenta ante ellos, los dibujos en todo el cohete son para contemplar y van subiendo y moviéndose en diferentes direcciones, nada es igual, pero si hay patrones que se repiten.
El espacio era en una esquina pero este tipo de instalación puede ser puesta en diferentes espacios, y lo interesante es como puede variar dependiendo del espacio ya sea en una esquina, en un cuarto pequeño o grande, en complemento con otras instalaciones o solo en todo el espacio, hasta en espacios abiertos la instalación cambia y la sensación que esta da, la dinámica seguirá siendo contemplativa, pero lo que se lee cambia de acuerdo al espacio..

Site-specific Art, Nick Kaye

Introduction Site-specifics

Site: substantive […] local position […] The place or position occupied by some specific thing. Frequently implying original or fixed position.
Site: 1. Transitive. To locate, to place. 2. Intransitive. To be situated or placed.
(Onions 1973)

Specific Art explora la relación de la teoría arquitectónica y el arte contemporáneo, especialmente en instalaciones y performance, y se cuestiona la documentación de estos trabajos.
Los cambios que existen entre la obra de arte y los lugares en los que se exhibe, varían los significados.
La obra de arte, será definida en relación con el lugar en donde se situé.
Site-specific work, se define a si mismo por ciertas características, cualidades y significados producidos en una relación especifica entre el objeto, el evento y la posición que ocupa.
El mover el site-specific work a otro lugar, lo convierte en otra cosa totalmente diferente, El espacio esta sujeto no solo a la transformación, sino también a la ambigüedad que representa.
La sensación de movilidad de los espacios o lugares, se definen como cambiantes, transitorios entre los actos que se conciben y la relación que tienen el lugar con la acción, esto revela una unión entre el lugar y el arte, casi como una especie de puesta en escena.
El performance Nights in this City articula un desplazamiento del los lugares, los espacios no permanecen inmóviles ya que todo se observa a través de la ventana del autobús, los lugares cambian y se obtiene solo un fugaz vistazo de los alrededores, creando nuevos espacios, ya que estos se conciben de otra manera, los espacios fluyen por el movimiento, no permanecen estáticos.
Este movimiento constante de lugar en lugar, crea en el performance la idea de que todos estos lugares vistos, conforme se llega a uno nuevo el anterior va desapareciendo borrando, los detalles específicos y dejando solo un colectivo de imágenes en movimiento.
Es el performance el que regresa a definir site-specifity no solo como un determinado termino critico, o como un modo de trabajo, sino como una característica del espacio, del lugar, que refleja los diversos site-specifics.

Spaces

En relación con el minimalismo, Douglas Crimp y Michael Fried analizan y sugieren, que los site-specific están relacionados con los espacios y su alrededor, el espacio literal o el espacio real, son para el espectador la experiencia de la obra del arte.
Esto se refiere a espacios interrelacionados en el que el espectador tiene la posición de alguien que ve todo desde fuera, y se tiene que cuestionar el entorno y lo que se esta presentando dentro de ese entorno.

Performing the Gallery: Robert Morris and Michalangelo Pistoletto

El artista Robert Morris busca en sus trabajos, el encuentro interrelacionado de su obra con el espacio, y la percepción del publico ante esto.
Su trabajo sin titulo ( cubos con espejos, 1965) deja que los espacios de la galería penetren en el objeto, como una manera de transformar la integridad visual de su escultura.
Los cubos de Morris reproducen hasta cierto punto la estética de la galería, pero cambiando su contexto, y la manera en que es mostrada creando una nueva forma de ver las cosas para el publico, lo que se busca no es hacer un trabajo monumental sino establecer la pieza como algo fundamental del espacio, que haya un dialogo entre la pieza y el espacio donde habita esta.
Es una confrontación con el cuerpo, en donde parece que el objeto tiene mas importancia, es en si la relación entre el objeto, el espacio, el espectador y el tiempo que toma la experiencia de ser parte de un todo.
Como la intervención de Morris, el trabajo de Pistoletto articula la interdependencia de los escenarios, retando al espectador a construir una nueva relación y perspectiva de los espacios. Estos espacios ponen al espectador en una disyuntiva de lo que consideran como un espacio tradicional, cambiando las formas y perspectivas le da al espectador la necesidad y casi obligación de participar dentro de la obra, como en su obra The Rooms donde esta disyuntiva se muestra en los distintos cuartos que monta, y donde lo real y lo virtual se confunde como uno solo, gracias a la utilización del espacio y del lugar.

Performing the City: Krzysztof Wodiczko

Al contrario del White Cube, el acercamiento de los espacios y lugares en la ciudad tienden a formar parte también de otro tipo de instalación que se conjuga como un todo dentro de la misma ciudad.
Krzysztof Wodiczko busca expresar en sus trabajos las complejidades ideológicas que se leen y se experimentan en la ciudad.
Los proyecto de Wodiczko son videos con imágenes del cuerpo, que para el esta imágenes pertenecen al imaginario común de los espectadores.
Las imágenes proyectadas en los edificios, que se combinan con los alrededores de la ciudad producen una especie de espacio negativo, en donde el peatón esta conciente de su propio performance dentro y fuera de la ciudad.

Arquitecture and Event: Bernard Tschumi

Tschumi busca una arquitectura que busca revelar y exacerbar, la instabilidad, que pospone la habilidad del descanso en la definición de su espacio, y así aclarar la finalidad de esta.
El site-specificity en este contexto, podría ser mejor entendido como un trabajo sobre la relación del la ausencia del descanso compositivo en el movimiento del la obra, la oposición entre lo real y lo ideal en el espacio es precisamente lo que Morris buscaba.
El diseño de Tshumi no determina o unifica una estructura abstracta, que podría regular y delimitar una serie de usos, lo que el busca es el efecto radical del cuestionamiento del concepto de la estructura, con la sobreposicion de tres estructuras independientes.
El sugiera que la paradoja de la arquitectura, para definir al espacio, para hacerlo distintivo, es decir marcar los limites, pero que parezca que estos limites no existen a simple vista creando una estructura que fluye, casi como un performance.

Placeevent: Brith Gof

La compañía de Performance galesa Brito Gof creo una serie de performances a gran escala presentándolos en lugares importantes tanto socialmente como políticamente.
La metáfora con la que fue construido este agrupamiento trabaja en estos lugares debido a la arquitectura fluida que tienen, estos lugares poseen una arquitectura en donde las estructuras habitan unas con otras, creando un espacio sintético.
La relación entre los espacios y el performance , crea el site-specific work ya que el usar este tipo de espacios prueban la estabilidad y los limites que se mimetizan entre ellos, una vez encontrado el espacio el acto, cambia el aspecto del espacio por unos momentos creando algo que antes no estaba, un momento en el tiempo que no se va a repetir y que existe mientras dure la presentación, estos significados son los que le dan a la obra de arte algo único, en donde el espacio y la obra momentáneamente se encuentran articulados uno con otro, y que cuando todo termine, esa intersección se perderá.

The Shape of the Art Environment (1968), Allan Kaprow

El articulo de Robert Morris Anti Form menciona algunos problemas que permanecen sin resolver, el primero que sugiere es el titulo de su articulo, la antiforma, aun así sigue no siendo claro a que se refiere con el termino antiforma, a menos que signifique la ausencia de forma, tomando como algo literal la ausencia de forma, en una especie de caos es imposible, en el campo del arte.
En su obra sin titulo (1967-68) Morris muestra un arreglo de formas sin una forma en especial entrelazando entre ellas, con colores y un material similar que cofunde al que lo observa, ya que no existen las jerarquías establecidas de la estética todo fluye, por si solo, la consistencia de la forma predomina y predomina, repitiéndose, no existe la pretensión de la antiforma o de la ausencia de la forma. Pero la respuesta a este argumento es que nadie puede ver esta escultura de otra manera mas que a la manera en como es presentada, y en como es representada la foto de la escultura en la revista.
El trabajo de Morris así como el de otros artistas presentados en el articulo, todos sus trabajos fueron hechos en un estudio rectangular, para ser presentados en un galería rectangular, para ser reproducidos en una revista rectangular, en fotos rectangulares, todos alineados en ejes rectangulares, para los patrones y movimientos rectangulares del lector. Razón por la cual todos somos cuadrados, y vivimos en patrones cuadrados.
No se puede hablar de la antiforma o la ausencia de forma, mas que nada seria hablar de un tipo de forma en relación con la otra forma, que es esta caso seria la rectangular.
La mayoría de los humanos ponen limites, en su vida y en su ambiente, todos ponen bardas o paredes que delimitan el espacio y el entorno, es la manera en que se conciben los espacios, simplemente cargamos con un rectángulo mental, que separa y unifica todo.
La noción de la antiforma podría ser catalogada como antigeometria.
Puede ser propuesto que el contexto social del entorno del arte se este convirtiendo en algo mas potente y significativo, mas demanda para el artista en cuanto al arte en si, puesto de otra manera no es lo que el artista toca lo que mas importa, sino es lo que no tocan.

Pinpointing Happenings (1967)

From now on, those who would write or speak intelligently about Happenings must declare what sort of phenomenon they are referring to. Happening is a household word, yet it means almost anything to the households that hear it and use it.
- Allan Kaprow-

Manifiesto (1966), Allan Kaprow

Once, the task of the artist was to make good art: now it is to avoid making art of any kind. Once, the public and the critics had to be shown; now they are full of authority and the artists are full of doubts.
- Allan Kaprow-

Los artistas contemporáneos no tienen la tarea de reinventar el arte por algo nuevo y diferente, esa no es la cuestión, no es la necesidad de innovar e inventar algo nuevo lo que los cuestiona, sus cuestionamientos se centran mas en que realmente es el arte y que significado tiene este para ellos.
Ya que muchas veces el solo colocar el material dentro de una galería o museo, se convierte automáticamente en arte, por la creencia de que el arte pertenece dentro de estos recintos, y afuera de ellos se encuentra la vida diaria.
Ahora que el arte se convierte cada vez en menos arte, toma una filosofía critica de la vida, la belleza que solía ser alabada ahora es refutada, precisamente por que el arte puede ser confundido con la vida, esto crea confusión, centrando su atención en la ambigüedades, que confunde la experiencia.
En el arte contemporáneo donde los medios nuevos, como la multimedia, intermedia, entre otros están tomando un lugar, es probable que la palabra arte se convierta en algo sin significado, y en su lugar la palabra programación tendrá mas sentido para explicar lo que el arte solía hacer.

Experimental Art (1966), Allan Kaprow

El mundo esta lleno de artistas artísticos, muchos de ellos bastante buenos, pero solo hay unos pocos que experimentan. Las vanguardias del presente están comprometidas en algo diferente.
El avant-garde funciona como Arte arte, se desarrolla en vez de experimentar, es casi imposible hacer cualquier gesto estético sin que se den referencias de la historia del arte, pero que pasaría si estas referencias históricas se perdieran por un tiempo, la situación y la creación se convertiría en experimentación.
Los temas de los que experimentan son mas filosóficos que estéticos, ellos se cuestionan a si mismos en vez de cuestionar la sustancia del arte.
Hasta cierto punto los que experimentan quieren separarse de la cultura del arte, de esas referencias, que catalogan al arte contemporáneo.
La palabra experimento sugiere dentro de sus significados, el poner a prueba el principio.
No es casualidad que las líneas que dividen los significados y estéticas del arte están desapareciendo, y que todo se este tornando confuso.
Ni los artistas experimentales, ni los artistas en general pueden evadir la historia y la estética, pero los experimentalistas por naturaleza están mas renuentes a tomar una postura dentro del kaleidoscopio cultural. Para ellos todos los valore existentes son igualmente buenos así como poco convincentes.
El arte experimental no es algo trágico, es un preludio.

Happenings in the New York Scene (1961), Allan Kaprow

Happening, ensamblaje de acontecimientos actuados, es un collage de participación, la responsabilidad de la pieza no solo es por parte del autor, sino también del espectador, todos son parte de la obra.
Los happenings poseen características cruciales que los distinguen de las obras teatrales.
La primera es el contexto, el lugar donde se realiza, normalmente los happenigs se realizan en sótanos, viejos lofts, tiendas vacantes, en lugares al aire libre, la audiencia es normalmente pequeña, y todos participan.
La segunda característica es que el happening no tiene un guión establecido, la acción se va dando por si sola y el artista solo controla ciertos aspectos, pero todo fluye con naturalidad, es casi un evento espontáneo.
La tercera característica es que el happening no puede ser reproducido, se puede volver a hacer, pero nunca será igual, siempre tiene un cambio constante, el happening permanece siempre fresco y nuevo, nunca igual.
Los happenings no son un producto que puede venderse y llevarse a casa, son un tipo de expresión que se mantienen meramente por el apoyo, los artistas hasta cierto punto permaneces fuera del comercio del arte, están aislados y orgullosos de esto.
Happenings son parte de un proceso no planeado, pero hasta cierto punto si razonado, que ha surgido como un arte que funcionara se de un cambio y madurez en al ámbito cultural.

Notes on the Creation of Total Art (1958), Allan Kaprow

La búsqueda de la definición del arte total, comenzó con Wagner y los Simbolistas, pero sus ideas jerarquizadas no dejaban espacio para la experimentación, para Kaprow el arte total no podría aparecer de esta manera, un nuevo concepto y nuevos medios eran necesarios.
Comienza a cuestionarse si realmente el fusionar los materiales, y la creación del collage, y la repulsión de este hacia la pintura.
Por que no, buscar una integración?
En la exposición Allan Kaprow: An Exhibition, que se dio en la galeria Hansa en Nueva York, lo que buscaba Kaprow no era que el espectador fuera simplemente a observar, el quería que el espectador se convirtiera en parte del entorno, creando así una totalidad, casi como en la vida diaria, en donde todos somos parte del entorno solo que unos interactúan mas que otros, pero cada quien hace su parte y crea este entorno, lo que se busca en crear una fluidez y formas y sensaciones de nuestra vida diaria y no simplemente imitarla, esto le da una responsabilidad aun mayor al espectador de entender la sensaciones que se están presentando, el éxito de un artista depende tanto de sus espectadores como de el mismo.

The Legacy of Jackson Pollock (1958), Allan Kaprow

Con la reciente muerte del artista Jackson Pollock, Kaprow se cuestiona la muerte de uno de los artistas mar reconocidos de Estados Unidos, así como el camino que tomara el arte.
Pollock en su obra empleaba el acto del dripping, esto forma parte del gesto, de la expresión de la pintura, el estaba en ella, se dejaba llevar pero hasta cierto punto paraba en momentos y analizaba los detalles, esa consciencia estética era lo que le hacia seguir permaneciendo dentro de la comunidad tradicional de los artistas.
El espectador no analiza la pintura de Pollock desde un punto en especifico, la composición es un todo, que va en diferentes direcciones, pero permanece como un ente.
La decisión de Pollock de utilizar lienzos grandes tiene diferentes propósitos, y el principal es dejar que la pintura se convierta no solo en un esquema de lienzo, sino en el ambiente en donde el espectador se encuentra, la confrontación que crea en el espectador con estos lienzos de gran tamaño, es la necesidad de atraer, de hacer parte al individuo de su propia creación, somos participantes en lugar de observadores de la obra.
Lo que se logra es que el arte deja atrás sus restricciones, y su estructuración delimitada por el lienzo.
Ya habiendo llegado a ese punto Kaprow se pregunta que es lo que sigue?
Menciona que hay dos alternativas, la primera es seguir por el mismo rumbo, y la segunda es dejar de hacer pintura, la pintura en su mas puro estado que es lo que buscaban los expresionistas abstractos.
El legado que dejo Pollock, fue dejar todo en un punto en donde se debe tomar en cuenta el espacio, y todo lo que este conlleva.
Los artista de hoy no tienen por que ponerse etiquetas, de pintor, poeta o bailarín, simplemente son artistas, ellos descubrirán de las cosas ordinarias el significado de lo ordinario, y no trataran de hacer lo ordinario extraordinario, sino reflejar el verdadero significado y de la nada verán lo extraordinario y tal vez la misma falta de significado de los objetos ordinarios. Las personas estarán cautivadas u horrorizadas, los críticos estarán confundidos o emocionados, pero ese sentir, para Kaprow seria el futuro del arte en los sesentas.

Inside the White Cube, Brian O' Doherty

La historia del arte moderno siempre ha estado acompañada por el espacio, el espacio cambia constantemente, y esto influye en la manera en que percibimos las obras. Ahora se ha llegado a un punto en donde primero se observa el espacio y después la obra.
Es que son los espacios donde se presenta el arte que se han convertido en un punto de partida casi como un santuario, en donde la exposición cobra vida, la obra se convierte en arte, por el tipo de posición de los objetos en la galería, muchos de los objetos o obras puestas en otro escenario tendrían otro concepto pero al ser puestas dentro de estos espacios todo se enfoca hacia el arte.
El espacio esta construido en base a la estética, espacio blanco, limpio, artificial y sin sombras, con un orden y limpieza de sala de operaciones quirúrgicas.
Es el espacio y la percepción de este que ha ido cambiando con los diferentes movimientos, desde los salones en donde todo estaba por todos lados, hasta, la implementación de los marcos que creaban esa separación entre la obra y el espacio, y los murales que utilizan el espacio como parte de la obra.
El espacio se ha convertido de cierta manera en un punto estandarizado, con el arte contemporáneo muchas de las percepciones han cambiado, pero lo clásico siempre será los marcos colgados en la pared, es la pared la fuerza estética que controla la muestra, y las diferentes experimentaciones con el espacio son las que están creando una nueva manera de entender el espacio y la obra.